presenta

ASTONISHED

Stefano Errighi Connotazione, 2006 abiti pietrificati, cm. 80x50

Dopo un’opera di destrutturazione, un abito di Guillermo Mariotto per Gattinoni subirà un liberatorio processo di pietrificazione. Trentenne umbro, dal 2006 l’artista-performer Stefano Errighi solidifica, ingessa, vetrifica, smalta e impacchetta abiti donandogli una valenza scultorea, congelandoli o pietrificandoli con procedimenti chimici, o per meglio dire alchemici, di sua invenzione.

La performance sarà introdotta da una breve coreografia a cura di Maria Luisa Giacometti ed Enrico Briganti.
Dvj-set a cura di Elecktrosqueeza.

ASTONISHED
a cura di Francesca Duranti e Marzia Fossati
Domenica 31 gennaio 2010
Tempio di Adriano – Piazza di Pietra, Roma
Ore 21:15
Info: +39 3487458846 / +39 3383862938
info@wit-mag.com
www.wit-mag.com

Anche quest’anno .wit partecipa a Fashion on Paper, il Festival delle Riviste Indipendenti organizzato in seno al calendario di AltaRoma. Dal 30 gennaio al 2 febbraio sarà attivo, presso il Tempio di Adriano (Piazza di Pietra – Roma), il corner di .wit. Lungo tutto il corso della manifestazione .wit presenterà al pubblico il suo ultimo numero, Hypotenusa Issue, e una retrospettiva dei precedenti.

http://www.altaroma.it

[a cura di Giulia Carcani]
articolo tratto da .wit#14. Hypotenusa Issue

giacca Eko Dizajn

Glam e politically ultra-correct. Oppure eversiva e provocatoria. L’eco-vague indossa entrambe le maschere. La prima la vestono coloro, i più, che puntano alle passerelle che incarnano il compromesso tra materiali eco-friendly e forme haute couture. Sono i buoni del fashion system. I messia di una moda migliore: bella, seppur rispettosa dell’ambiente. Pochi scelgono la seconda, quella della battaglia ecologica, della lotta al consumismo, alla produzione di massa e agli sprechi. Sono coloro che urlano al mondo i propri NO e lo fanno nella scelta dei materiali e, soprattutto, nella messa in scena di messaggi forti, shock, che puntano a stordire prima, per convincere poi. È una moda cattiva che passa attraverso la provocazione e la perversione di certe immagini, una moda che non risparmia niente e nessuno, che non passa inosservata. Il low profile è bandito dagli adepti della corrente eco-shock: l’obiettivo è stupire, colpire, ferire, trafiggere occhi e cervello. Per restare, sedimentare. E portare ad una riflessione.
SANS schiaffeggia così la piazza newyorkese. Nome emergente della moda verde Usa, è nato dall’estro di Lika Volkova e Alessandro Do Vito, un duo dinamico capace di incantare con abiti audaci e innovativi. Soprattutto, abiti che non vogliono dissimulare ma, al contrario, puntano a sbandierare la verità. Come l’eco-pelliccia che richiama con vivida veridicità uno scalpo di animale sacrificato in nome di costosi, soffici e caldi capi-spalla. So cruel, so chic. Quentin Tarantino docet. Inserita nella collezione a/i 09-10, l’eco-pelliccia, combinazione di lana merino organic e pelo ecologico, nasce dalla riflessione sul potere evocativo delle forme e sulla capacità delle immagini di trasmettere significati. È una giacca difficile e coraggiosa che davanti, nella sua normalità di manteau, ammalia e inganna; dietro colpisce e intimidisce. Adatta a chi desidera indossare il proprio NO contro la rinnovata auge delle pellicce. Distante anni luce da chi sposa la tesi, controversa e discussa, dello stilista giapponese Chie Imai secondo “cui non c’è niente di più eco-friendly di una pelliccia vera, è indossata per generazioni, è organica, non produce inquinamento e alla fine del ciclo ritorna alla terra sotto forma di polvere”.

Libreria Of wars & witts & power

Contro l’uso di pellicce animali anche il design verde degli olandesi di Oooms. Stop a pelli trasformate in tappeti e violate da piedi alla ricerca di passi soffici e gratificanti. Da qui, il tappeto Road Kill: 165×240 cm di lotta tra attrazione e repulsione, proprio come quando senti di non dover guardare, ma la curiosità è insistente e alla fine cedi, per poi pentirtene. Si tratta di un caldo e morbido tappeto in lana 100% organica che riproduce la carcassa di una volpe con tanto di sangue e interiora sviscerate. Perché ad ogni passo persista il monito di non calpestare, né ora né mai, gli animali in nome del comfort umano, ingannevole e volatile. Nuova giostra, altro monito: stop alle guerre. Di nuovo ha ben poco: l’eco arriva da lontano e rievoca lotte passate e look Seventies. Eppure è sempre attuale, tanto che mai è uscito dal vocabolario delle proteste comuni e condivise. Oggi, lo slogan si trasforma in un pensiero da indossare, in un mood con cui convivere giorno per giorno. Non parole perse nell’aria, ma riflessioni costanti. È questo lo spirito che anima, con applicazioni diverse, la cantante e modella Irina Lazareanu per L.E.N.Y., il brand croato Eko Dizajn, e il progetto di Daniel Loves Objects. La prima, entrata nella schiera di fashion icons che hanno prestato la propria creatività a Fashion Icon Limited Edition, regala agli aficionados di L.E.N.Y. una t-shirt organica e poetica: versi sanguinanti rosso scarlatto su sfondo bianco. Minimal, diretto, tagliente.
Teatrale e barocca invece la scelta di Eko Dizajn, fashion movement fondato nel 2008 dai designer Damir Bedalov e Mladen Donadini. Contro la guerra, vissuta in prima persona e mai dimenticata, Eko Dizajn propone una giacca feticcio fatta di materiale ecologico e – tra tagli e ritagli, inserti e arricciature – vecchi soldatini di piombo e plastica applicati sulle spalle. Antichi giochi di bambino si trasformano così in una presenza pesante e costante, con cui fare i conti nei ricordi e nelle azioni. Una giacca contro la necessità che altre giacche del genere esistano. Un monito, una preghiera che il peso di tale ricordo, materializzato nel piombo dei soldati applicati, non debba essere sostenuto da altri ancora. Sempre soldatini, ma questa volta in plotoni anonimi e perdenti, sono quelli utilizzati da Daniel Loves

Ecopelliccia SANS A/I 09-10

Objects nella serie di librerie eco-friendly Of wars & witts & power. Schieramenti contrapposti di soldati – eterni loosers – si fronteggiano, imbracciati i fucili, in un perenne scontro di posizioni e idee. Ma il peso della cultura sovrasta tutto: una speranza c’è, allora, ed è nei libri, nella capacità di accogliere il punto di vista diverso senza averne paura, senza considerarlo nemico.

www.sans.name
www.oooms.nl
www.leny-icons.com
www.eko-dizajn.com
www.coroflot.com/daniellove

[a cura di Francesca Duranti]
articolo tratto da .wit#14. Hypotenusa Issue

Maarten Baas, Smoke Charles Mackintosh

Abbandonati l’estetismo decadente e nichilista alla Juliette Gréco, la malinconia di fondo e la ribellione alle convenzioni sociali, i nuovi Mind Builder costituiscono una generazione fortemente attratta dalla possibilità di contribuire a nuovi percorsi di sviluppo nell’arte, nella scienza, nella filosofia e in altre aree del Sapere.
Sono spontanei, creativi, aperti al cambiamento, legati ad un allenamento costante, se non addirittura a una sfida, che passa attraverso il proprio talento. Sorpassato quindi lo stile della Parigi “fumosa” del Dopoguerra, oggi alcuni designer e stilisti hanno tracciato il profilo di un nuovo individuo estremamente libero, intellettuale, amante del viaggio e forse ancora del nero assoluto. Maarten Baas, ad esempio, geniale progettista olandese, ha uno studio nei pressi di Eindhoven, dove ha posteggiato due camper: uno usato come centro operativo, l’altro come casa. Maarten, trentenne uscito nel 2002 dalla Design Accademy di Eindhoven, ha già al suo attivo numerosi successi: i suoi arredi Smoke, mobili letteralmente bruciati con un getto di fiamme e rifiniti con una vernice epossidica trasparente, sono entrati non solo a far parte del marchio Moooi, ma anche delle collezioni private dei più grandi designer.
La straordinaria esposizione del 2004 a New York, presso la galleria di Murray Moss, dove Baas brucia con una torcia venticinque prodotti cult del design d’autore, lo consacra tra i nomi più hot del panorama internazionale. Tutti i suoi pezzi nascono da ispirazioni istintive: sono unici, fatti a mano, estranei al processo produttivo seriale e mettono in discussione i parametri del design classico, inteso come purezza, nitidezza e simmetria delle linee. Il suo lavoro e le sue opere hanno creativamente corrotto, ribaltando qualunque convenzione, il concetto di bellezza immutabile nel tempo; Maarten ha letteralmente bruciato, come in un gesto liberatorio, l’essenza del design e delle sue icone: dalla Red&Blue Chair di Rietveld, alla libreria Carlton di Ettore Sottsass, passando per la sedia a schienale alto di Charles Rennie Mackintosh e per la Favela Chair di Fernando e Humberto Campana. I pezzi che ne derivano sono degli ibridi che stanno a metà tra oggetto industriale e opera d’arte, creazioni ideali per lo stile di vita del Mind Builder. Più introversa concettualmente, ed esistenzialista nell’anima, è Ka-Lai Chan, giovanissima progettista, anch’essa olandese, che presenta attraverso una poltrona, Selfportrait, un progetto che parla di emozioni che così descrive: “Sono sempre stata una persona molto riservata, incapace di mostrare i propri reali stati d’animo. Lentamente questo disagio interiore è cresciuto diventando sempre più grande, un magma che stava per esplodere nella disperata ricerca di mostrare me stessa. Selfportrait, è il mio autoritratto, la pelle nera della poltrona non è altro che l’armatura che mi ero creata, e ciò che ne fuoriesce non altro che è la mia autentica personalità”.
Rock e dark è invece lo stile della belga Natalia Brilli, designer di accessori che lavora anche per Oliver Theyskens (ndr. il direttore artistico della maison Nina Ricci). Ispirazione vittoriana,  twist surreale e black leather: è così che la Brilli si impossessa di oggetti d’uso comune e li riveste di un cattivissimo strato di pelle nera; dal laptop allo skateboard i suoi oggetti sono spigolosi, macabri, gotici e talvolta sconfinano nel fetish-chic.

Ka-Lai Chan, Selfportrait

Per chiudere il disegno di questo nuovo stile, tra il nero introspettivo e la ricerca  della personalità, non possiamo che citare colei che meglio incarna, nell’universo fashion, questo stato mentale: Ann Demeulemeester. Celebre per il suo minimalismo androgino che inietta elementi della moda maschile nel guardaroba femminile, la stilista di Anversa ha proposto, per l’autunno/inverno in corso, una collezione severa, adornata solo di piume nere dai riflessi vinilici, motivo ricorrente negli scenografici head-pieces, il cui carattere gotico si fonde con l’essenzialità dei tagli.
Aldilà degli stili di vita, qualche luttuoso (e lussuoso) imput sugli stili di morte. Il massimo in ambito di burial-design? La lapide firmata dagli ungheresi Ivanka. Si chiama Seeyou questo oggetto di sepoltura che funge da medium e coinvolge la Natura, creando con essa un’interessante interazione: la sua immagine cambia infatti a seconda del tempo e delle stagioni. L’elemento acquatico che compone questa tomba riflette infatti il mondo attorno ad essa, intessendo mobili corrispondenze e richiami tra la vita e la morte.

.link

www.maartenbaas.com
www.moooi.com
www.kalaichan.nl
www.nataliabrilli.fr
www.anndemeulemeester.be
www.ivanka.hu

[a cura di Marco Pecorari]
articolo tratto da .wit#14. Hypotenusa Issue

Come inizia la storia di Elise Gettliffe?
Mia madre è un’insegnante d’arte e mio padre era un ballerino e per il suo lavoro ci trasferivamo molto spesso. Troppo, a volte. Stoccolma, Berlino, Basilea: all’età di sette anni ero già una globetrotter…

Quando vi siete fermati?
Quando avevo sette anni ci siamo trasferiti in una cittadina della Francia, al confine con la Svizzera. Non c’era molto da fare. È lì che ho iniziato gli studi. Prima economia e poi arte.

È così che ti sei avvicinata alla moda?
Mi è sempre piaciuto creare atmosfere fantastiche. Però rimaneva più nella mia mente, perché non amavo disegnare. La dimensione artistica mi permetteva di mantenere libera la mia immaginazione. La moda è arrivata dopo. Dopo un Art Foundation Course, mi sono trasferita a Parigi, dove ho preso un BA preso la Scuola di Moda Duperré. Però non ero assolutamente soddisfatta ed ecco che sono venuta ad Anversa.

Che cosa significa fare moda ad Anversa?
Significa lavorare su stessi. Storicamente è una moda avanguardista che ultimamente si sta trasformando in una tautologica generazione di moda sperimentale. Io e miei coetanei siamo stati educati tutti nella stessa maniera delle generazioni precedenti, dagli stessi professori. Questo genera fattori positivi e negativi. Se da una parte si raggiunge un livello altissimo di competenze tecniche, dall’altra si è alimentati con lo stesso cibo che ha alimentato altri. E questo non necessariamente permette innovazione.

In che senso?
Si lavora più o meno sugli stessi concetti. Questo però favorisce un processo di introspezione molto complesso. Si lavora su stessi per costruire una forte idea di moda che non deve provenire da nessun altro luogo se non il tuo. È sicuramente un aspetto positivo, ma ciò può anche creare dei problemi nei designer.

Che genere di problemi?
Faccio un esempio: questa estate ho lavorato per Christian Wijnants. È stata un’esperienza interessante, ma anche molto provante. Ormai ho una mia idea talmente forte di cosa è moda che diventa difficile sposarne altre.

E qual è la tua idea di moda?
La moda per me non è intellettuale. È Istinto. Grafica e Tridimensionalità. Tessuto e Filamento. È un processo imprescindibile che non mi permette di dividerne i passaggi. Io lavoro sulle proporzioni e sulle grafiche. La terza dimensione si nutre dalla seconda e viceversa.

Sembra evidente dalla tua ultima collezione…
Co2 rappresenta esattamente la mia attitudine. Non riesco a sezionare l’abito o il book dei disegni.

Come è nata Co2?
Come sempre. Ho fatto ricerca in estate e dopo poco mi sono ritrovata a lavorare su questa idea di scioglimento dei tessuti e del colore nero. Lo dipingevo continuamente. Tutto si liquefaceva prendendo diverse forme. Nere colate di filamenti formativi. Così mi sono ritrovata in un surrealismo moderno capace di alimentarsi delle liquidità intense del colore nero.

E che uomo rappresenta questa invasione di nero?
Nessun ‘uomo’ in particolare. La mia idea di moda non si lega alla raffigurazione di una ‘donna’ o di un ‘uomo’ ideali. L’uomo in questo caso funge da enzima che permuta le dimensioni del nero, di un tessuto liquido che invade. Un’invasione nera.

Tu crei i tuoi tessuti da sola. Come e dove lo fai?
Io creo il design e poi lavoro sul filato in collaborazione con il Laboratorio di Sperimentazione del Museo tessile di Tilburg, in Olanda. È un’esperienza sensazionale che si sviluppa nell’arco di due processi: prima il design e poi un metodo di lavorazione che io chiamo scherzosamente jumping knitting.

In cosa consiste?
Una macchina particolare permette di creare diverse combinazioni di filato, essendo dotata di molti aghi posizionati su diverse altezze della macchina. Attraverso un controllo manuale è possibile saltare delle combinazioni, dando così vita a interessanti volumi e a multipli strati, proprio come si vede in Co2.

È grazie a questo che hai vinto il premio i-D al Contest ITS di Trieste?
La creatività e l’originalità della creazione tessile hanno sicuramente aiutato, ma credo che una mano l’abbia data anche la vittoria dell’anno precedente per la collezione BANG BOUM VLAN PAF HIIIIIIII!. Un’esplosione di cornici fiabesche che creavano una fanta-scentifica monarchia. Un ottimo biglietto da visita. Ecco, magari questa volta è stato più facile, grazie al fatto che mi conoscevano già…

Quella collezione ha avuto un gran successo. Era anche l’icona dello show di Anversa e del Magazine “Show Off”. Come si vive questa attenzione?
Fa piacere partecipare e soprattutto vincere un contest importante come quello di Trieste. L’atmosfera che si respira in quei 4 o 5 giorni di preparazione è molto stimolante. Il trionfo a ITS ha inoltre rappresentato un supporto economico importante che mi ha permesso di creare la mia collezione successiva, Co2.

E magari qualcun’altra futura…
Si, il mio scopo è continuare con una mia label personale. Una nuova collezione mi verrà parzialmente finanziata tramite Ra, il nuovo spazio di arte e moda creato ad Anversa da due miei amici dell’Accademia. In Aprile dovrò inoltre curare una mostra fotografica per i-D. Poi, se riesco, mi prendo una vacanza.

.dove
Ra
Kloosterstraat 13
2000 Antwerp
Belgium
www.ra13.be

[a cura di Paola Maddaluno]
articolo tratto da .wit#14. Hypotenusa Issue

Rick Owens

È l’Inghilterra degli Anni Settanta. Protagonista un solo slogan: “No Future”, coniato dai Sex Pistols per esprimere la sintesi, la confusione e infine la sparizione del confine tra passato e presente. Una pellicola dura e respingente animata dal vivace ritmo di balli e di canti, dal susseguirsi di abiti eccentrici e bizzarri, di confezioni tessili insolite, di acconciature vaporose dai toni vivacissimi, di capelli rasati e accessori preziosi. Un’estrosità che annuncia l’arrivo dei Punks, i quali – anarchici e nichilisti – privano gli oggetti della propria identità, dei propri codici. Si divertono a violentarli, a modellarli. Mescolano e sommano tracce contrastanti. Operano come bricoleurs, impegnati a integrare oggetti di varia provenienza, producendo una semiotica nuova rispetto a quella abituale. Ciò implica che, come è stato messo in evidenza da Alberto Abruzzese, “il maquillage prescelto dai Punks è interamente comprensibile calandosi nel gran bazar delle merci” in quanto, “ogni merce viene a far parte del corpo, lo penetra, vi convive”. Questa decorazione del corpo non è più travestimento, maschera, simulazione: “allude piuttosto alla mutazione. Il corpo fa proprio l’universo delle merci”. Questa filosofia fa dei Punk una vera cultura underground caratterizzata da sovrapposizioni stilistiche – decorazioni primitive con giubbotti di pelle Anni Cinquanta, tagli futuristici con scarpe a punta stile teddy, pizzo imbastito nella plastica – e da un look provocante e aggressivo fatto di abiti in pelle nera disseminati di borchie e spille da balia, make-up forti, skulls e icone religiose. Una pluralità assolutamente coerente di geometrie e di stoffe: elementi espressivi attraverso i quali ciascun membro della community può dialogare con gli altri e attribuire un significato unitario alle proprie esperienze.
Jarman con la sua cinepresa ha raccolto le voci di un tempo mentre Derek Ridgers ha immortalato le evoluzioni di un’epoca. Famosa una sua foto, scattata alla fine degli anni Ottanta: è il volto di un punk con pettinatura disegnata da coni simmetrici fissati con vasellina, bomber in pelle scura con dettagli d’acciaio, bavero adornato di pins dai più svariati motivi grafici, collana d’oro con un pendente a forma di crocifisso e un rosario indossato a mo’ di orecchino. L’attenzione si focalizza sull’originalità del trucco. Eyeliner spesso, che circoscrive il contorno occhi fino a congiungersi con l’estremità della sopracciglia. Una sorta di tatuaggio facciale. Un intervento che ricorda le manie tipiche della body art.
Muovendo dagli scatti di Ridgers, nello stesso periodo, ci si ritrova a Londra. Ambiente medievale, scuro, quasi demoniaco. In bilico tra gli incubi narrati da Edgar Allan Poe e le vicende compiute da Dracula si traccia l’inizio di un nuovo mood. Nascono i Goths che, ossessionati dal nero, aderiscono a un’architettura del vestiario di impronta vittoriana, composta dai decori dei merletti e dalla spigolosità dei pizzi. Ridgers ritrae due donne appoggiate al muro di una casa e immobili su dei gradini. Hanno il viso bianco gesso, ombretto color porpora, capelli raccolti in fasce e nastri annodati. Sguardi persi nel vuoto, seri, distratti. Mode che si sono contaminate. Avvicinandosi, hanno determinato altre mode. Allontanandosi, hanno dettato le norme del comunicare oggi. Una fusione ardita che sembra emergere, con disinvoltura, nello shooting immaginato da Tim Burton, in collaborazione con il fotografo Tim Walker, per il numero di Halloween (ottobre 2009) della rivista Harper’s Baazar. Atmosfere cupe attingono alla magia delle fiabe di Burton, da Edward Scissorhands alla sua Corpse Bride: tra prati riarsi e rose rosse languide e decadenti si collocano modelle d’allure dark, in un allestimento ricco di scheletri, bendaggi e gramaglie. Dallo street style al fashion queste interazioni hanno anche invaso altri linguaggi contemporanei, in primo luogo l’arte.
Basta guardare il lavoro di Damien Hirst o di Jan Fabre. Definiti accademici borghesi in un recente articolo pubblicato sul Corriere della Sera da Vincenzo Trione “le opere dei pompiers del Duemila sono cifre di un kitsch che, riportato attraverso soluzioni monumentali, esibisce arroganza e provocazione”. Sono aspetti che si ritrovano in entrambe le subculture, accomunate da un costante e fedele utilizzo del nero. Agli antipodi del nero minimalista, tipico di molti stilisti giapponesi che ne hanno valorizzato l’aspetto pudico, l’ eleganza e la ricercatezza, è il nero feticcio: aggressivo, a tratti violento, spesso respingente. Portavoce in tal senso è il lavoro di Gareth Pugh: “the mad prince of British fashion” colpisce per il fanatismo delle proporzioni e per la difesa dell’hand-made.

Yohji Yamamoto

Il suo approccio è un’appassionante alchimia di omaggi agli scenari cinematografici, di riferimenti all’ arte contemporanea, di risonanze emotive della moda di Alexander Mc Queen, John Galliano, Hussein Chalayan. Un interrotto studio sulle metamorfosi formali. Sperimentazioni sui materiali, riutilizzo di processi artigianali armonizzati secondo innovative regole di sintassi estetica e culturale. Nell’ultima collezione primavera/estate 2010 parigina, Pugh immerge il suo lavoro in un clima tetro. Protagoniste sono le tonalità del nero. Con disinvoltura scompone questa cromia, come se fosse un oggetto, una “merce”. Propone le sfaccettature tessili del grigio. Alterna tagli spigolosi a stoffe sfrangiate. Intreccia trame di cotone con trame di pelle, di velluto, di garza. Sveste e riveste spessori materici. Circoscrive la coerenza stilistica all’interno di geometrie perfette. Questo atteggiamento up to date sottolinea con gran forza la lontananza dagli schemi del nero basico, per aderire al nero feticcio. Una scelta che accomuna, con differenti lemmi, la moda di Pugh a quella di Rick Owens. Influenzato dai segni della Decadence Holliwoodiana, lo stilista californiano ingabbia il suo stile in una griglia “neo-gotica”, proponendo una nuova tendenza in grado di accordare le opposizioni di uno stesso colore. Per la linea autunno/ inverno 2009-10 elabora con maestria le forme tipiche del suo lavoro. Con consapevolezza rara, coniuga fenditure asimmetriche con fenditure simmetriche. Unisce tessuti diversi, dalla pelle, al cotone, passando per la lana, creando un dinamico equilibrio. L’eleganza di origami disegnati dialogano con la morbida aggressività dei cosciali e dei guanti in pelle nera. Owens sembra coniugare due volti del nero.
Ai confini con il nero minimalista, va la ricerca compiuta da Bruno Pieters: la sua donna umanoide sfoggia un nude-look poetico e silenzioso, cadenzato da trasparenze e da pieghe che lasciano intravedere in piccoli pertugi la sinuosità del corpo. Sulle passerelle primavera/estate 2010 Pieters lancia una silhouette dall’immagine eterea, intatta, candida. Da una parte mostra con delicatezza le nuance del bianco e del rosa, dall’altra parte con fasce drappeggiate più arroganti e incisive sperimenta la compiutezza del nero. Tutto avviene in una dimensione celestiale. A predominare è la leggerezza, come la scarpa in pvc, che suggerisce realtà lontane. Una carrellata di esempi stilistici per capire come il nero può assumere personalità eterogenee. Può essere l’elemento distintivo di subculture. O interprete di logiche di mercato. O l’attore principale di una stagione, di una tendenza. Di sicuro, per riprendere un’espressione di Yohji Yamamoto, “il nero è l’unico colore in grado di controllare l’ordine astratto della moda”.

[a cura di Marco Pecorari]
articolo tratto da .wit#14. Hypotenusa Issue

L’appuntamento è fissato per le ore 18, su Skype. Alle 17.50 inizia a vibrare il computer. Henrik sta chiamando. Immancabile cappellino, camicia in denim che lascia sbirciare su una magliettina a righe rosse. In anticipo e disponibile: non proprio un comportamento da star-system. Lui si trova nel suo studio a Copenhagen e inizia a parlarci del nero-buio della capitale danese.

HV: Ormai alle 16 inizia già a diventare scuro. Però devo dire che mi piace camminare nel buio. Non sai mai cosa aspettarti.

Il buio è un’ottima tela scatenatrice di visioni…
HV: Potrebbe essere il buio, è vero…

E come sono iniziate queste “passeggiate nel buio”?
HV: Beh, fin da piccolo ero abituato a giocare da solo. Ho due fratelli più grandi di qualche anno, quindi mi sono sempre abituato a vivere di costruzioni fantastiche.

Una fantasia puerile che si tramuta naturalmente in irrealtà mature?
HV: Nel mezzo c’è stata la mia educazione. Ho tentato di studiare ingegneria delle costruzioni ma era troppo noioso, così ho preferito il design.

Design prima di sfociare nella moda.
HV: Sì. La moda è arrivata solo quando mi sono iscritto alla Central Saint Martins.

E tutto grazie a una donna…
HV: Diciamo che una donna mi ha dato una mano. L’ho conosciuta a una festa. Era eccezionale, così ho iniziato a parlarle: lei stava andando a Londra, alla Central Saint Martins. Ed io ho replicato: “Ah sì? Anch’io!”. Non sapevo neanche cosa fosse…

Quando si dice amore a prima vista…
HV: Macché! Però alla fine mi è stata sicuramente d’aiuto, anche se, anche lì, ho rischiato di non entrare…

Anche?
HV: Beh, mi era già capitato. Alla Danish School of Design, per colpa di un cetriolo liquido non sono passato.

Un cetriolo liquido?
HV: Esatto. Era il mio portfolio. Purtroppo è esploso, bagnando tutti i portfolio degli altri studenti. Così alla Central Saint Martins ho deciso di presentare qualcosa di più classico: disegni di statue greche ritratte in un museo antico di Copenhagen e qualche altro collage.

E stavolta ha funzionato…
HV: Sì, stavolta sì! E così ho iniziato a lavorare sul menswear. All’inizio volevo quasi mollare, ma i professori hanno iniziato a convincermi che non andavo poi così male.

La tua collezione finale Pigs Colletion ha avuto un grande successo…
HV: Era ispirata alla simbologia religiosa del maiale, ma era anche un po’ autobiografica. Io vengo da un paesino danese pieno di maiali. L’ho creata in pochissime settimane, perché poi dovevo partire per un tour con la mia band del tempo.

Musica e Moda o Moda e Musica?
HV: La Musica viene prima, cronologicamente. Suono la batteria da quando avevo tre anni. Ho sempre fatto parte di una band. A Stoccolma, a Londra e ora di nuovo Stoccolma.
(Henrik si alza e inizia a fumare, portandoci in giro all’interno del suo laboratorio)

Non solo, stai girando parecchio anche con Trentemøller …
HV: Sì, stiamo lavorando assieme. Una bella collaborazione dove mi diverto, a volte, anche a organizzare performance scenografiche per il palco. Ora, per esempio, sto lavorando per il “Roskilde Festival” (Danimarca) che si terrà il prossimo 2 luglio.

Come ci si accorge di essere diventati “famosi”? Quando si ha un flagship store?
HV: Non credo sia importante essere riconosciuti. E per la verità il mio è non è un flagship store, ma un multi-brand. Ho due negozi, a Oslo e a Copenhagen, per i quali scelgo personalmente le marche; parallelamente alla vendita curiamo anche un blog. Sono tutte attività interessanti, però non credo che un negozio possa essere un momento di consapevolezza.

E come si ha questa consapevolezza?
HV: Per me è venuto tutto un po’ inaspettatamente. Dopo la mia prima collezione tutti mi chiedevano di rilasciare interviste e di fare mostre. Ero richiesto, ma non guadagnavo molto. Poi ho iniziato a carburare e se vuoi sapere in quale momento me ne sono reso conto, ti direi quando sono andato a Parigi per fare qualcosa al Palais de Tokyo.

Cosa hai fatto?
HV: Era una delle prime volte che organizzavo uno show su Parigi, mi sembra fosse nel 2003. Ero ad una festa con amici, e parlando con Diane (Pernet, ndr) le ho detto che avevo un appuntamento con il direttore del Palais de Tokyo. ‘Però Henrik, iniziano a muoversi le cose per te’ mi disse lei. Io non sapevo bene cosa fosse il Palais de Tokyo, finché non mi ci sono recato – fogliettino con indirizzo alla mano. Leggevo i numeri civici: palazzo per palazzo…

E quando ti sei accorto che mancava un numero…
HV: Non mi aspettavo tanta fisicità! Entro e mi portano all’ultimo piano, dove incontro il direttore che mi dice: Hai cinque minuti, cosa vuoi fare?

E tu?
HV: Una casa. E il Direttore mi dice che va bene. Ecco, lì ho capito che iniziavano ad andare bene le cose per me.

Una casa all’interno del Palais de Tokyo. Componi sempre scenografie spettacolari! Come per l’ultima passerella parigina…
HV: The Solar Donkey Experiment è un esperimento sulla combinazione. Di colore: nero e rosso. E di oggetti: ombrello e fringe (frangia).

Mantenendo la solita corrispondenza tra uomo e donna.
HV: Sì, non vedo grosse differenze e mi sembra di mostrarlo.

Questa collezione è stata raccontata anche tramite una performance outdoor. Quanto è importante la dimensione performativa per la comprensione dei tuoi lavori?
HV: Per me è importante come forma di espressione. Ho sempre cercato questa dimensione, con cui mi trovo molto a mio agio. Il mio è un Universo che ha bisogno di questo genere di dimensioni. Non distinguo le cose. Un esempio è The Fringe Projects 1-10.

Come è nato questo progetto?
HV: È un progetto in collaborazione con il graphic designer Andreas Emenius. La Fringe è il luogo d’incontro tra me e Andreas. Rappresenta il luogo comune delle opere. Una costante matematica.

Ma in cosa consiste?
HV: Sono dieci progetti: una birra con le frange, una sedia con le frange, una copertina per un magazine… Progetti autonomi, ma legati l’uno all’altro.

Il progetto è stato esposto anche presso il museo Zeeuws Museum di Middelburg in Olanda…
HV: Sì. Siamo immensamente grati al museo, che ha permesso anche l’ultima fase del Fringe Project, ovvero il libro Fringe Projects 1-10. Inoltre è stata l’occasione di raggruppare tutti e dieci i progetti. Dalle sedie alle birre, dal fashion film alla scultura/poster dove appariamo in tutine a pois gialle e nere. La macchina poi è stupenda…

Con questo progetto avete fatto tappa anche a Milano.
HV: Sì, nell’Aprile 2008, presso il Grand Danois durante la Design Week. Abbiamo fatto l’installazione del Project 7: una parete con frange rotanti. I bambini si sono divertiti un sacco, ed è stato per noi motivo d’orgoglio. I bambini sono i migliori critici.

Ci saranno altre tappe in futuro?
HV: La mostra Graphic Experiments al Kunsthal Brænderigården (Viborg, Danimarca).

La grafica rappresenta un aspetto fondamentale per la tua moda.
HV: Ho avuto una formazione grafica e credo sia evidente.

Non solo nelle installazioni. Anche durante i tuoi show, non abbandoni la tua attitudine costruttivista.
HV: Lo show è una dimensione importante nella moda. Devi riuscire a catturare l’attenzione di chi ti guarda, devi riuscire a vendere e a lasciare il segno. Tutto in venti minuti.

Allora diciamo che le tue installazioni ti aiutano un poco. Come nascono?
HV: Sono delle idee personali. Ad esempio la primavera/estate 08 – The fantabulous music bicycle factory – è stata un’idea che coltivavo da tempo. Ho creato delle biciclette speciali che generavano rumori e suoni. Creazione fisica di musica.

Nell’ autunno/inverno 09/10 – The Humen Laundry Service – c’è un fortissima simbologia e ancora una volta donna e uomo non si distinguono.
HV: È una mia idea. Utilizzo dei dispositivi per ingabbiare le disuguaglianze. Cappelli, Parrucche, Maschere. Però non credere che non conosca la differenza tra donna e uomo…

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Filippo Fortis, Fotografo

Credits:
Fotografia: Filippo Fortis
Styling: Marzia Fossati
Make Up & Hair: Mary Cesardi
Starring: Feline@Women

dicembre 2009/gennaio 2010

Hypotenusa Issue

SOMMARIO
Henrik Vibskov / EcoShock: the dark side of the Green / Ne(r)oesistenzialismi / Elise Gettliffe / Talent(o) Scouting

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