“Il cielo è del colore dell’indaco, 10 monaci Hare Krishna entrano in scena, lentamente, sopra il suono elettrico del movimento dei pianeti.

Le stelle prevedono un viaggio verso l’ignoto. La gravità è pari a zero. Platino e spruzzi fluorescenti di colori traslucidi.

La moda invade la città di Roma.

Questa visione onirica apre un racconto fantastico, confondendo il senso della realtà, una nuova concezione di street art con un forte richiamo alla spiritualità di altri mondi.

Entrando nel nostro abitat naturale, nel cuore del quartiere di Testaccio, usando la nostra immaginazione, il sogno  diventa realtà, svelando i sogni nascosti, per la pura gioia del rivelarli.

Questi sono i racconti e i sogni, in parte tech e in parte romantici, di una generazione che tocca nuove fonti di ispirazione, usando nuovi materiali, nuove tecniche e strumenti alternativi di comunicazione.

Un forte desiderio, un passo fuori dal contesto sociale, il desiderio di non essere notato, ma di essere scoperto diventa il filo conduttore di questa magica esperienza.”

Karen Maghen – studentessa del Corso di Fashion Design
www.ied.it

“Mi sono accostato al mondo dei Sei di Anversa, e precisamente a quello di Ann Demeulemeester, attraverso una lunga documentazione, a cui è seguita la scelta del tema del progetto, di un argomento che potesse legare il loro tipo di estetica con la mia: il film di Kiewslovski, La doppia vita di Veronika, a cui sono particolarmente legato e che richiama alla memoria diversi elementi tipici della cultura delle Fiandre. La luce, fondamentale fonte di ispirazione, i colori, il legno, le atmosfere delle città nordeuropee. Accanto a queste ispirazioni ho accostato altri elementi del film che mi interessavano: il teatro di figura e il dualismo rappresentato dai due personaggi. La scelta della capsule collection, costituita esclusivamente da capi-spalla, è stata quasi naturale: con le sue costruzioni, con il tessuto impermeabile, diventa un abito essenziale, immediato. All’interno di ogni capo c’è un pezzo di tessuto che gira su se stesso, come avviene nell’anello di Moebius, usato come interpretazione del “doppio”. Il video, la modella-non-modella, le canzoni dei Soap & Skin, la luce di taglio, tipica anche della pittura belga, mi sono sembrati gli strumenti perfetti per comunicare il senso di questo progetto.”

Marco Russo

www.myspace.com/flandrika
www.ied.it

Decidiamo fin dall’inizio di imporci delle regole:
1) non restare fedeli alle comunicazioni delle aziende coinvolte
2) trasformare e sporcare ogni cosa a nostra disposizione
3) contaminare il tutto con la nostra impronta
4) stylizzare non tramite una semplice operazione di accostamento di capi, ma per mezzo di una metamorfosi tridimensionale dei nostri concetti.

1° giorno
9 studenti, 3 coordinatori, 3 video/pics/music maker: tutti i presupposti per fare un buon lavoro.
Il briefing iniziale parla un linguaggio in bilico tra la moda e l’architettura: di operazioni comuni ai due ambiti come iterare, allungare, ingrandire, ridurre, tagliare, piegare, coprire, sovrapporre, muovere, decostruire, rimodellare. Operazioni da fare sugli abiti o su chi li indossa? Ancora tutto in divenire, andiamo a casa pieni di stimoli, ma anche un po’ confusi. La prossima volta tocca a noi esporre le nostre idee.

2° giorno
Seduti tutti intorno allo stesso tavolo, sintonizzati su una modalità “workshop”, un po’ titubanti proponiamo le nostre idee che vengono accolte, rovesciate, rilette e utilizzate per formare qualcosa che ancora non sappiamo. A tutto questo si aggiunge il fatto che non abbiamo ancora idea di quali saranno i capi che avremo fra le mani: ci risulta complicato ragionare in astratto.

3° giorno
Le dieci aziende aderenti al progetto sono dislocate tra Rimini e dintorni: senza un mezzo e a piccoli gruppi ci dirigiamo per selezionare i capi. Essendo piccole realtà, il più delle volte ci troviamo a parlare direttamente con i titolari che ci contagiano con la loro energia e con la loro passione. La svolta è rappresentata dal ritrovamento di un vestito bianco tipo camice da infermiera. Da questo punto in poi gli interventi sugli abiti diventano vere e proprie operazioni da clinica: dal binomio moda/architettura passiamo a quello moda/chirurgia.

4° giorno
A partire dal nurse dress, il flusso dei nostri pensieri ci porta nelle cliniche private del servizio di Steven Meisel, Supermods enter rehab, pubblicato su Vogue Italia nel luglio del 2007, agli scenari di serie televisive come Twin Peaks e Nip and Tuck e ci suggerisce un immaginario in equilibrio instabile tra l’ospedale psichiatrico e l’universo fetish. La ricerca iconografica ci aiuta moltissimo a gettare un ponte tra il mondo delle nostre rappresentazioni mentali e una realtà povera di mezzi.

5° giorno
Bombardati da stimolazioni visive cominciamo a costruire il set fotografico e a fissare attraverso gli scatti le nostre idee. I coordinatori si mischiano a noi, i fotografi pure, tutti sullo stesso piano, tutti accomunati dalla medesima curiosità: cosa verrà fuori? Lentamente, attraverso prove ed errori, i nostri scatti si epurano di ogni dettaglio inutile e diventano sintesi immediatamente percepibile dei nostri concetti. A fine giornata siamo esausti ma soddisfatti.

6° giorno
È giunto il momento di mettere ogni cosa al suo posto: ricostruire il filo conduttore che ci ha portato fino a qui, selezionare le immagini significative del nostro progetto, tirare le somme del processo. Gli outfit da far indossare alle modelle, pallide evocazioni dei nostri concetti, sono pronti.
Il montaggio del video, che accompagnerà le modelle nelle loro uscite, ci pone alcuni problemi relativi all’utilizzo di immagini statiche. La loro animazione, coordinata con la traccia audio realizzata appositamente per l’occasione, scandisce il ritmo del video rendendolo leggibile e piacevole.

7° giorno
Presi dall’entusiasmo abbiamo prodotto 1 video, 1 traccia audio, 10 outfit, 10 cartoline invito e, non ultima, un’installazione nella piazza in cui si sarebbe svolta la sfilata. Volevamo lasciare traccia di tutto il percorso fatto: delle prove, e degli errori. Abbiamo stampato in bianco e nero le immagini che documentavano il nostro lavoro e con quelle e un po’ di nastro adesivo abbiamo impacchettato le panchine. La più grande soddisfazione è stata vedere quelle panchine usate e vissute proprio come il nostro progetto. Duro lavoro, dedizione, passione e tanto divertimento.

Progetto a cura degli studenti del II anno del Corso di Laurea in Culture e Tecniche della Moda
Francesca Buonafede, Angela De Nicolo, Christin Haschke, Valeria Moruzzi, Anna Scotese, Simone Selvaggi, Lena Voutta, Cristina Zaffi, Valentina Zanuccoli
Coordinamento Francesca Iaconisi, Claudio Marenco Mores, Silvia Melatti
Video, grafica e musica collettivo Mòstudio (Luca Contieri, Girolamo Lanzafame, Antonio Pagano)

Bologna – Facoltà di Lettere e Filosofia
Zonemoda – Corso di Laurea in culture e tecniche della moda (Rimini)
http://www.moda.unibo.it

Sogni e speranze. Danzano e possono anche sfilare su una passerella. Una passerella pensata come spazio libero e dinamico per giovani creativi poco più che ventenni che si raccontano attraverso abiti. Sono gli studenti del terzo anno dei corsi di Fashion Design e Fashion Textile di IED Moda Lab Milano ad aver sfilato nel Teatro della scuola, giovedì 2 luglio, davanti alla stampa specializzata, ad aziende, docenti, amici e altri studenti. E’ il risultato di un’esperienza maturata in tre anni di studio, lavoro e progettazioni. Un percorso fatto di sacrifici, passione, dedizione e proprio di quei sogni e di quelle speranze portate sulla scena da Pina Bausch, recentemente scomparsa, cui l’evento è dedicato.
Ad aprire la serata il video di presentazione di uno dei prossimi progetti in cantiere: The book about us, annuario di IED Moda Lab, una raccolta trasversale di tutti i lavori più interessanti degli studenti dei corsi di Design, Comunicazione, Styling, Gioiello e Marketing, in uscita a settembre 2009. Lay-out, grafica, comunicazione visiva, servizi fotografici, testi, immagini, parole, schizzi e bozzetti, linee, figurini e collezioni. Il book testimonia un pensiero libero e un approccio procedurale creativo che spaziano tra le diverse discipline della moda (e non solo) sorretti da un profondo  senso di ricerca e sperimentazione, spinti dalla forte determinazione di sovvertire priorità, regole, rituali e contesti.
A seguire c’è stata la presentazione vera e propria delle ventidue collezioni selezionate tra i progetti di tesi dei neo-diplomati: tagli e cuciture, tessuti, trame, materiali, strutture pensate come occasioni espressive e assemblaggi plastici di volumi e di texture, di forme e pattern. Lavorazioni, dettagli artigianali, sartoriali e soluzioni tecniche inedite  hanno trasformano la sfilata in un racconto variegato di spunti e ispirazioni, motivi, suggestioni. Un paesaggio estetico popolato da personalissime visioni e proposizioni, che rimandano a immaginari coerenti con le diverse sensibilità dei ragazzi, futuri progettisti della moda di domani.
Le collezioni filtrano lo sguardo curioso e critico degli studenti sulla realtà contemporanea, sul passato e la storia del costume, citando personaggi, atmosfere, icone della moda,  reinterpretandone simboli e segni per produrre nuovo senso.

Antonio Masciariello, II anno Fashion Communication, IED Moda Lab Milano

da Meu Destino è Ser Onca, Alberto Mussa.

Invece di raccontare di madri che riconoscono figli sacrificati dall’odore degli escrementi di un dio, lo facciamo suonare, o risuonare tra le pareti dell’abito metamorfico, un volume che assomiglia più a una nuvola che ad un animale, nonostante la prima trasformazione che ci ha ispirato è quella dello sciamano, al centro del rito, che diventa un rapace.
Di riti si tratterà, e verranno ballati, e sui ritmi ci stiamo concentrando. Il progetto di un abito spesso è questione di ritmo, di volume, tanto come scopriamo, in questo primo incontro con Arto Lindsay, che il disegno di un mondo musicale è fatto di colori e di forme.
Stiamo facendo mondi, il suggerimento arriva direttamente agli altri artisti, dal titolo di questa Biennale “Fare Mondi”. Arto ha uno spirito chiaro, ironico e intelligente: sulla sua opera ha le idee chiaramente confuse e siamo subito d’accordo. Mi mette a mio agio la sua capacità di confondere, Andrea (Lissoni, il curatore n.d.r.) mi aveva messo in guardia su questo e io mi ero fregata le mani: l’opportunità di lavorare con una persona che sa leggere le frasi contorte o le macchie di marmellata, che gli risuonano come degli agganci poetici e non come dei passi falsi. Metodologie insapute, divertimento, appunti circolari, gesti e suoni, più che altro.

La nostra comunicazione infatti tanto si basa su quello: sono bastati i primi sketchbook dei ragazzi del nostro Corso di Laurea che hanno saputo lavorare a questo progetto: Arto, al nostro secondo incontro, li sfogliava aperto, e mischiava il suo stupore al nostro, rendendocelo, arricchito di effetti. Tanto da perderci molto spesso su sentieri che non sarebbero dovuti essere battuti, proprio lì, in quell’occasione, in quel luogo: alla Fondazione Buziol, sul canal grande, a qualche settimane dall’ inaugurazione dell’ unica opera pubblica tra le opere in concorso alla 53° Biennale di Venezia, il Multinatural (Blackout) di Arto Lindsay.
Difficile per me trattenere quell’entusiasmo di quando hai di fianco un artista che conosci come colui che può, toccando la chitarra, drogarti di quella sensazione che non vorresti finisse mai. Che cosa dici quando lo incontri per la prima volta? Vorresti saperlo dire ma rimani in ascolto. Questa cosa che lui ti fa perdere anche senza fare musica ti risulta nuova, e segui oppure no, i suoi discorsi e ne intervalli altri e sulle onde discontinue degli sguardi, disegni qualcosa su un foglio.
E’ questo che lui vuole da noi: abiti per 30 ballerini, 20 figuranti, e poi forse per qualcuno che all’ultimo momento vuole partecipare, preso dalla forza dell’inclusività. Dato tecnico: i ballerini devono potersi muovere tanto. E tutto, in questo mondo che distilla Arto, sarà Black. A parte il noise, che sarà White.
Me lo annoto: corpi neri, noise bianco. Poi ci annotiamo: tarahumara, Antonine Artaud, gesuiti. Primal dance. La ricerca partirà da questo. Non si riconoscerà tra le identità vestimentarie che verranno cuciti, la sfilata di Comme des Garcons che lui ci ha postato tre settimane più tardi. Tutti lo sapevamo che esisteva, come già esistevano gli alberi che hanno ispirato alcune forme, a dir poco, ben radicate.
I prototipi che i nostri migliori ragazzi hanno fatto per il terzo incontro, aiutano Arto a fare un passo successivo. In occasione della mostra nei locali della Fondazione, nei primi giorni di maggio, il work in progress dei progetti per Multinatural (Blakout), Arto è tornato a Venezia. Vedendo lo stato del lavoro, mette più a fuoco alcune volontà. Vuole che alcune identità risultino più sontuose: lavoriamo così sulla ieraticità di certe figure che lui trova interessanti nei disegni di alcuni dei nostri. In altri progetti c’è terra, sangue, urla, sogno, tratti di volti che diventano pieghe: le maschere non sono quelle carnevalesche e Bahia, presente nei racconti preliminari di Lindsay, per noi rimane qualcosa con cui armonizzare attraverso il conflitto.  Ci sono dei fuoriscala, suggeriti da lui sin da subito, che prendono forma per gioco. Qualcuno lavora con fili di midollino per  riprodurre, meno didascalici possibile, quei tratti che fanno dell’animalità un aspetto riconoscibile. Qualcun’altro lo fa con il feltro. I vuoti della spugna naturale, confine tra il mondo animale e il mondo vegetale, vengono ricreati in 3D, sulla superficie dell’abito.

Da quando è stabile a Venezia la frequentazione si è fatta sempre più intensa, tant’è che sul divano in seta verde del Palazzo veneziano che raccoglie i nostri sforzi, ci siamo scambiati dei post-it, sporcati con l’inchiostro di penne che lo perdevano, letti dei libri con le orecchie alle pagine fatte nelle notti di ricerca. I vestiti prendevano tutta la consistenza necessaria per performare tutte la nostra carica di ambizione. Arto è molto soddisfatto, si complimenta. Facciamo un’ultima riunione a cui sono presenti tutti quanti lavorano al progetto. Io rido molto, e quasi solamente per via del piacere generato dal movimento oscillatorio tra tensione e complicità di chi partecipa a uno sforzo comune.
La parata è stata 3 ore di pura energia il più possibile multinaturale. Todo mundo è indio exceto quem nao é: quadruplicando i sensi Lindsay leva la specifica contestuale ‘Em Brasil’ dalla frase  di un libro di Eduardo Viveiros de Castro e la fa stampare sulle magliette regalate alla gente del corteo.

Il 2 luglio, in occasione del nostro Open Day, “Collecting::Connecting 3“, andrà in mostra un terzo capitolo di questa esperienza, nella sede del Corso di Laurea in Design della Moda dell’Università Iuav di Venezia, in via Achille Papa 1, a Treviso.

01.07.2009
A cura di Amanda Montanari
Coordinatore didattico Iuav Design Moda
www.iuav.it

“Attenzione
Barboni, disoccupati, monelli, prostitute…
Profeti, affamati e indigenti
Togliete dall’immondizia
di questo immenso paese
i resti dei lussi…
Date forma alle vostre
fantasie
E venite a partecipare
a questo grandioso
“Bal Masqué”

Joaosinho Trinta

Fotografia: Federico Vacca Massaro
Styling: Shota Tasaki e Ilario Schiattarella
Make up & Hair: Fabio Pompozzi

“Semplificare le nostre vite e ritornare
ai principi base. Abbandonare la modernità.
È da qui che siamo partiti per dare vita a
questo servizio fotografico. In primo piano un
uovo, emblema di perfezione naturale e, al
contempo, principio di una nuova vita. Alle
spalle scene di vita moderna volutamente poco
nitide, mosse…”

Shota Tasaki e Ilario Schiattarella – stylists